其中大剧院和性能藏品有超过3,500舞台服装及配饰 - 从完整的服装个人头饰。都是进贡的创造力和设计师和服装生产商的技术从18世纪中期到今天，在各种现场演出 - 戏剧，戏曲，舞蹈，音乐剧，哑剧，摇滚和流行，音乐厅，歌舞表演，马戏团。

在19世纪设计的伟大法院眼镜和舞台布景通常是一个侧线，以一个艺术家的主要工作。这些艺术家的例子包括伊尼戈·琼斯，达芬奇和弘德Loutherbourg。

在19世纪，当现实主义是主要风格，风景，通常由现场的画家设计的。服饰可以通过表演者和制造商的组合，或可以设计由专家绘制和戏剧工作坊和外包工做。

在20世纪看到了职业设计师的出现，再培训课程的设立。但舞台设计仍是一个不确定的工作，即使在今天，设计师往往结合剧院工作与事业作为一个画家或教师。

这些珍品展示想象力，知识，技能和设计师的巧思，和谁翻译的二维设计到三维的形式制造商。

一个更重复的陈词滥调是戏剧服装都做不好，俗气的，未完成的，不承担仔细检查。然而，只有在近距离可设计者和制造者的创造力和智慧是非常赞赏。什么乍一看似乎原油居然是大胆，作为一个服装已经从观众席的后面，以“读”，以及近距离的阶段。颜色这似乎扎眼在日光下强烈的舞台灯光柔和。

服装也必须非常构造良好的生存性能的菌株和许多服饰承担寿命长的伤疤。时髦的衣服只能穿几次，但在舞台制作一个成功的服装是穿每天晚上数月或数年。衣服一定要站起来，以强劲的处理，快速的变化，戏剧污垢和神经所产生的汗水和舞台灯光的令人难以置信的热量。因此，质朴的服装都可能来自制作失败，但他们仍然可以是一个设计师和制作者的艺术高超的例子。

一旦一出戏，其导演已经选定，一个创作团队被选中。这包括设计，并根据演出，作曲，编舞家和指挥的类型。

一个节目的物理外观是由与设计师协商的董事（或编舞的舞蹈作品）决定。设计者然后研究了设置，往往导致从书本，电影，杂志，相片，博物馆和画廊参考材料的文件，从这个出现生产的“世界”。

一个设计为每个集合和字符;所选择的衣服和颜色传达的文字信息 - 性格，年龄，身份，职业，国籍，情绪。

设计师必须要能够直观地了解每个人的服装将融入整体舞台画面，给每一个适当的地方，是它的主角还是跑龙套的角色。每个单独的设计必须融入整体的概念，同时考虑到谁的表演会穿的服装和动作是什么，他们必须做，以及在其生产将起到剧院的预算和规模。

实际的设计是为机的施工图。这可以是一个令人回味的小品，最详细，注明图或示意图，拼贴或计算机图形。如果设计师知道他或她想要用哪些面料和辅料，样本附着在图纸;其他设计师可能会讨论的事项与服装厂商或（如果它们是已知的和可信赖），离开这些决定给他们。例如，设计师阿利克斯石往往产生于长卷“头饰”，显示了服饰在一起，经常附带面料样品。